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jueves, 23 de octubre de 2014

BENT

TITULO ORIGINAL
Bent
AÑO DE ESTRENO
1997
DIRECTOR
Sean Mathias
PRODUCTORES
Michael Solinger, Dixie Linder, Martin Sherman
GUION
Martin Sherman
REPARTO
Clive Owen (Max), Brian Webber (Rudy), Lothaire Bluteau (Horst), Ian McKellen (Tío Freddie), Mick Jagger (Greta), Nikolaj Coster-Waldau (Wolf), Jude Law (Oficial de las SA), Paul Bettany (Capitán), Rachel Weisz (Prostituta), David Meyer (Hombre de la Gestapo), Gresby Nash (Camarero), David Phelan (Gay en el parque)
CINEMATOGRAFÍA
Yorgos Arvanitis
BANDA SONORA
Philip Glass
VESTUARIO
Stewart Meachem
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Metro-Goldwyn-Mayer
DURACIÓN
105 minutos
 
MAX: “¿A dónde nos llevan?”
HORST: “A un campo de concentración. Probablemente Dachau.”
MAX: “¿Cómo lo sabes?”
HORST: “Me han trasladado varias veces. Me han llevado a Colonia, para un reportaje de propaganda. Soy un triángulo rosa con buena salud.”
MAX: “¿Triángulo rosa? ¿Qué es eso?”
HORST: “Marica. Si eres marica, es lo que llevas puesto. Los judíos llevan una estrella amarilla. Los prisioneros políticos un triángulo rojo. Los criminales uno verde. Un triángulo rosa es la categoría más baja que puedes obtener”
MAX: “Esto no está pasando. Esto no puede estar pasando.”
HORST: “Si sobrevives al tren, tendrás una oportunidad. Aquí es donde te someten. No puedes hacer nada por tu amigo. ¡Nada! Si intentas ayudarle, te mataran. Si te preocupas por sus heridas, te mataran. Si quieres seguir con vida, él no puede existir.”
MAX: “Esto no puede estar pasando.”
HORST: “No tiene ninguna oportunidad. Llevaba gafas.”
MAX: “Esto no está pasando.”
HORST: “Está pasando.”
 
SINOPSIS
En el año 1934, Max reside con su pareja Rudy en Berlín. A pesar de proceder de una adinerada familia, la homosexualidad de Max ha provocado que su relación con la misma sea complicada y distante. La relación de Max con Rudy también tiene sus complicaciones, debido a la promiscuidad constante de Max. Las cosas se complican cuando Max inicia una aventura con un apuesto miembro de las SA, que no tarda en instalarse en el apartamento de Max y Rudy. Es entonces cuando tiene lugar la “Noche de los Cuchillos Largos”, en la que los considerados miembros traidores de las SA son asesinados. Muchos de ellos son homosexuales. El amante de Max es asesinado ante los ojos de este y Rudy, que se ven obligados a escapar.
Max y Rudy no tardan en ser localizados y llevados a un tren de prisioneros, de camino al campo de concentración de Dachau.
Allí, Rudy es sometido a una paliza por parte de los oficiales Nazis. Aterrado, Max niega conocer a su pareja, que termina por perder la vida. Es entonces, cuando Max conoce a Horst, enviado a Dachau por ser homosexual. Considerando tener más oportunidades de sobrevivir si niega este hecho, Max decide declarar ser un judío, y llega a hacer el amor al cadáver de una adolescente muerta. En Dachau, la relación entre Horst y Max se estrecha, al mismo tiempo que el primero intenta enseñar al segundo a estar orgulloso de ser como es.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en una obra de teatro escrita por Martin Sherman, quien se encargó de adaptarla encargándose de escribir el guion de la película. La trama gira alrededor de la persecución a la comunidad homosexual por parte de la Alemania Nazi. El punto de arranque es la conocida como “Noche de los Cuchillos Largos”, en la que Hitler ordenó el asesinato de varios oficiales de las SA, entre ellos su conocido líder y homosexual, Ernst Röhm.
La obra de teatro original se estrenó el dos de diciembre de 1974, en el Teatro New Apollo de Nueva York. Fue interpretada en un total de doscientas cuarenta y una ocasiones. En el año 1980, fue nominada a los Premios Tony como Mejor Obra de Teatro. Sin embargo perdió contra la obra “Hijos de un Dios Menor”. David Dukes fue nominado como Mejor Actor de Reparto por interpretar al personaje de Horst, perdiendo contra la obra “Morning’s at Seven”.
Ian McKellen, quien aparece brevemente interpretando al personaje del Tío Freddie en la película, se encargó de interpretar al protagonista Max en la producción teatral que tuvo lugar en los Teatros del West End de Londres. En la producción de Broadway, el personaje de Max fue interpretado por Richard Gere. Los productores de la película intentaron que el actor volviera a interpretar al personaje para la película. Sin embargo, Richard Gere tenía dos compromisos. Uno era actuar en el “El Laberinto Rojo”, película que iba ser rodada en China; y el otro era actuar en “The Jackal”, que sería rodada en varios países de Europa.
Por este motivo, los productores tuvieron que escoger a otro actor, y el papel terminó por recaer en Clive Owen.
 
LO MEJOR
Evidentemente, un tema tan peliagudo como la persecución de una minoría  te deja conmocionado. La película triunfa en ese aspecto, recordándonos las evidentes dificultades de la comunidad gay en un tiempo tan escabroso como el del Nazismo. Por otro lado, siempre es de agradecer que se toque un tema tan ignorado como la persecución de los Nazis hacia los homosexuales. La película contiene escenas impactantes que me dejaron conmocionado, y mostró una lucha interior sobre el reconocimiento que uno debe tener hacia su forma de ser. Si es lo más acertado o no, en una situación como la que se describe, esto es decisión del espectador.
Particularmente, la escena que más me impactó fue la del viaje en el tren, y las torturas a las que los personajes de Rudy y Max son sometidos.
 
LO PEOR
Se nota que el origen de la película es una obra de teatro, y es que en demasiadas ocasiones las situaciones no estaban cargadas de todo el realismo necesario. La interpretación resulta demasiado teatralizada para una película, y esto resta impacto en un medio cinematográfico. No estoy seguro de defender un mensaje de auto reconocimiento, cuando este debe llevarte inevitablemente a la muerte. Por ello creo que esas dos temáticas mezcladas son desacertadas. Las escenas de actos sexuales mediante el dialogo distaron mucho de convencerme. En ese sentido, soy más partidario del realismo que se muestra en la película “Un Amor por Ocultar”.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 16 de octubre de 2014

LOS JUNCOS SALVAJES

TITULO ORIGINAL
Les Roseaux Sauvages
AÑO DE ESTRENO
1994
DIRECTOR
André Téchiné
PRODUCTORES
Georges Benayoun, Alain Sarde
GUION
André Téchiné, Olivier Massart, Gilles Taurand
REPARTO
Élodie Bouchez (Maïté Alvarez), Gaël Morel (François Forestier), Stéphane Rideau (Serge Bartolo), Frédéric Gorny (Henri Mariani), Michèle Moretti (Señora Alvarez), Jacques Nolot (Señor Morelli), Eric Kreikenmayer (Pierre Bartolo), Nathalie Vignes (Irène), Michel Ruhl (Señor Cassagne), Fatia Maite (Aicha Morelli), Claudine Taulère (Enfermera), Elodie Soulinhac (Colette), Dominique Bovard (Guardia), Monsieur Simonet (Guardia), Paul Simonet (Señor Bartolo), Charles Pictot (Director del colegio), Christophe Maitre (Instructor de Gimnasio), Bordes Fernand Raouly (Señora Bartolo), Michel Voisin (Juez de Paz)
CINEMATOGRAFÍA
Jeanne Lapoirie
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Elizabeth Tavernier
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN
110 minutos
  
FRANÇOIS FORESTIER: “Necesito que usted me aconseje, es sobre mi destino. Venga tengo que hablarle.”
SEÑOR CASSAGNE: “Sí, sí claro. Perdóneme señora. ¿De qué se trata?”
FRANÇOIS FORESTIER: “Verá, yo soy como usted, un invertido. Por desgracia no he tenido suerte y aún no he encontrado mi alma gemela. Conozco a alguien, pero no me quiere. Normalmente yo debería renunciar, sería lo más sensato, pero yo no soy sensato. No sé qué puedo hacer. Sé que con él no tengo posibilidades, pero insisto, no me doy por vencido. Hemos hecho el amor una vez, solo una. Y desde que pasó me comportó como si fuera un ladrón, un verdadero ladrón. Robo momentos, pequeños momentos. Un día le apreté contra mí en la moto; otro día conseguí que durmiéramos juntos. Sé que usted tiene experiencia, es el único que puede ayudarme. ¿Cuándo usted tenía mi edad no le pasaba algo así? Cuando descubrió que le gustaba otro chico, ¿qué hizo usted? ¿Qué es lo que pasó?”
SEÑOR CASSAGNE: “Verá jovencito, todo eso está muy lejos. Le aseguró que no quiero engañarle, pero creo que lo tengo olvidado.”
  
SINOPSIS
François Forestier es un joven tímido que está a punto de graduarse del instituto en el suroeste de Francia, en el año 1962. Durante dicho año, “La Guerra de Independencia de Algeria” está a punto de finalizar. Su mejor amiga es Maïté, hija de su profesora de literatura, y reconocida comunista. François conoce a un compañero de instituto llamado Serge Bartolo, hacia quien comienza tener fuertes sentimientos, comenzando a percatarse de su homosexualidad. Finalmente, ambos amigos mantienen relaciones sexuales durante una noche. Sin embargo, aunque François se ha enamorado, Serge lo considera solo una relación experimental, sintiéndose atraído hacia Maïté.
Las cosas se complican cuando el hermano mayor de Serge fallece luchando en el frente de la guerra. Al colegio llega un exiliado francés nacido en Algeria, Henri Mariani. El nuevo joven provoca que François se enfrente a su homosexualidad de forma cínica, y también desata el odio de Serge por lo sucedido con su hermano. Al mismo tiempo, Henri comienza a sentirse atraído hacia Maïté.
  
CURIOSIDADES
Durante el principio de la década de 1990, la cadena francesa “Arte” decidió crear una serie de películas que abordaran distintos problemas característicos de la adolescencia. Dicha serie llevaba de películas llevaba el título de “Tous les Garçons et les Filles de Leur Âge”, lo que se traduciría como “Todos los chicos y chicas de su edad”. De entre esas películas surgió una de cincuenta y cinco minutos de duración titulada “Le Chêne et le Roseau” (“El Roble y el Junco”). Le fue encargada a André Téchiné, quien al completar el guion decidió convertirla en una producción cinematográfica del doble de duración.
La idea de la película le surgió en parte como inspiración autobiográfica, tratando de analizar las dificultades de los adolescentes al comenzar a convertirse en adultos. Dichas dificultades variaban entre problemas políticos, estudios, asuntos políticos y el despertar de la sexualidad en sus cuerpos.
El asunto político más imperante fue el de la Guerra de Independencia de Algeria, y su finalización en el año 1992. La trama se centra en cuatro jóvenes. Dicha guerra todavía es un tema en cierto modo tabú, por lo que es difícil encontrar películas que debatieran o analizaran el conflicto. De hecho, la película hace referencia a la existencia de la “Organización del Ejército Secreto”, la cual era una organización terrorista nacionalista francesa durante la Guerra de Algeria entre los años 1954 y 1962. La guerra finalizó con Algeria haciéndose con la independencia en el año 1962. El conflicto sirve como catalizador para la gran mayoría de los eventos de la película.
La mayor parte de la película fue rodada en el campo, ya que André Téchiné deseaba poner un énfasis especial en utilizar la naturaleza como entorno para la trama. De hecho, el título tiene un significado especial. Lo salvaje hace referencia a ese desarrollo de los personajes en plena naturaleza, y la forma en la que estos se enfrentan a la inminente madurez. Por otro lado, los juncos no son más que los propios adolescentes.
La comparación radica que en que el junco no obtiene su fuerza de su fortaleza, sino de su extrema flexibilidad.
  
LO MEJOR
Lo más destacable de la película es la forma en la que muestra a cuatro adolescentes con ideas y personalidades radicalmente distintas, cuyas vidas terminan por entrelazarse. Personalmente, y aunque parezca mentira con objetividad, encontré que el personaje de François es el más fascinante. Los problemas que acompañan a sus amigos son consecuencia de algo temporal, la guerra, mientras que François se enfrenta a un hecho que cambiará su vida para siempre. El joven actor realiza una labor más que convincente, haciendo que su travesía personal resulte de lo más creíble. Sus dudas reflejan su pánico a la soledad, reforzada por la dificultad de encontrar pareja en 1962.
  
LO PEOR
André Téchiné resulta demasiado ambicioso al intercalar distintas tramas y temáticas, sin lograr mostrar un desenlace convincente. Me da la sensación que la mayoría de sus personajes están en la misma situación mostrada al principio de la película. Hay poca evolución, concentrándose más en situaciones de angustia adolescente sin resolver. El personaje de Maïté me pareció el menos interesante, siendo incluso irritante.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 9 de octubre de 2014

PHILADELPHIA

TITULO ORIGINAL
Philadelphia
AÑO DE ESTRENO
1993
DIRECTOR
Jonathan Demme
PRODUCTORES
Jonathan Demme, Edward Saxon
GUION
Ron Nyswaner
REPARTO
Tom Hanks (Andrew Beckett), Denzel Washington (Joe Miller), Jason Robards (Charles Wheeler), Antonio Banderas (Miguel Álvarez), Joanne Woodward (Sarah Beckett), Robert W. Castle (Bud Beckett), Mary Steenburgen (Belinda Conine), Ann Dowd (Jill Beckett), Lisa Summerour (Lisa Miller), Charles Napier (Juez Lucas Garnett), Roberta Maxwell (Juez Tate), Buzz Kilman (Crutches), Karen Finley (Doctora Gillman), Robert Ridgely (Walter Kenton), Bradley Whitford (Jamey Collins), Ron Vawter (Bob Seidman), Anna Deavere Smith (Anthea Burton)
CINEMATOGRAFÍA
Tak Fujimoto
BANDA SONORA
Howard Shore
VESTUARIO
Colleen Atwood
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
TriStar Pictures
DURACIÓN
125 minutos
 
BIBLIOTECARIO: “Señor, aquí tiene el suplemento. Tenía razón, respecto al VIH hay una sección relativa a la discriminación.”
ANDREW BECKETT: “Gracias, muchísimas gracias.”
BIBLIOTECARIO: “Si quiere tenemos una sala privada para investigación.”
ANDREW BECKETT: “Estoy bien aquí, gracias.”
BIBLIOTECARIO: “¿No estaría más cómodo en la sala de investigación?”
ANDREW BECKETT: “No. ¿No sería usted el que estaría más cómodo?”
JOE MILLER: “Oh, Beckett. ¿Cómo está?”
ANDREW BECKETT: “Letrado.”
BIBLIOTECARIO: “Como quiera señor.”
 
SINOPSIS
Andrew Beckett es un exitoso abogado al que se le ha ofrecido convertirse en nuevo socio de su prestigiosa firma.
Sin embargo, cuando sus jefes descubren que está enfermo de SIDA, proceden a despedirle haciendo que parezca que ha realizado una grave incompetencia con un caso importante. Andrew solicita la ayuda de un abogado llamado Joe Miller, quien siendo homófobo rechaza inicialmente el trabajo. Sin embargo, Miller cambia de opinión y decide llevar el caso.
Enfrentado al poderoso equipo de la antigua firma de Andrew, Joe Miller se sumerge en la vida de Andrew enfrentándose a sus propios prejuicios. Por su parte, Andrew cuenta con el apoyo de su familia y pareja Miguel. Cuando su enfermedad comienza a empeorar gravemente, el abogado sacará fuerzas de flaqueza para conseguir que por lo menos se haga justicia.
 
CURIOSIDADES
Tras los créditos finales se revela que los eventos de la película fueron parcialmente inspirados en un caso real.
Se trata de una demanda por discriminación contra el SIDA por parte de Geoffrey Bowers en el año 1987. También se inspiraron en el valor y amor de la familia Angius y muchos otros que habían experimentado dicha discriminación. Sin embargo, la familia de Bowers presentó una demanda contra la producción alegando que las similitudes con el caso de su hijo eran excesivas, aunque se logró llegar a un acuerdo.
A la hora de escoger un actor que interpretara al personaje se consideraron a actores como Daniel Day-Lewis, Michael Keaton y Andy Garcia. Finalmente, se optó por contar con Tom Hanks debido al afecto que despertaba en el público, ya que esto haría que una película con un tema tan controvertido llegara a todo el mundo. Originalmente, y para contrarrestar el papel de Tom Hanks, el director Jonathan Demme consideró elegir a un actor de comedia para interpretar el papel de Joe Miller. Algunas opciones incluyeron a Bill Murray y Robin Williams, pero cuando Denzel Washington mostró interés en el papel se lo concedió.
Esto se debía a que Demme llevaba algunos años deseando trabajar con el actor. Tom Hanks tuvo que perder casi catorce kilos de peso para sus escenas en el juzgado. Sin embargo, se le solicitó a Denzel Washington que ganara algunos kilos para su papel. Para angustia de Hanks, que tuvo que pasar hambre para el papel, Washington a menudo consumía barras de chocolate.
En la escena de la fiesta de disfraces, los personajes de Andrew y Miguel utilizan uniformes militares. Esto fue realizado a propósito, ya que en el momento del rodaje se prohibía a gays y lesbianas que sirvieran en las fuerzas armadas de los Estados Unidos. Clinton había prometido acabar con esa prohibición, pero se limitó a permitir que los homosexuales y lesbianas sirvieran, siempre que no hicieran pública su orientación sexual. Esta ley continuó en vigor hasta septiembre de 2011. Las escenas en el juzgado no fueron rodadas en un decorado, sino en un juzgado verdadero que les fue cedido por la ciudad. El director deseaba que el público que no estuviera familiarizado con el SIDA viera la película.
Por eso decidió contar con Bruce Springsteen para ayudar con este propósito. Tanto la película como la canción “Streets of Philadelphia” fueron una gran influencia para despertar concienciación sobre la enfermad, y eliminar parte de su estigma. La escena final muestra como la familia de Andrew observa videos de la niñez del personaje. Dichos videos eran los de la infancia del propio Tom Hanks.
La película contó con cinco nominaciones a los Oscars, dos de ellas en la misma categoría (Mejor canción). Tom Hanks se hizo con el Oscar al mejor actor, y su buen amigo Bruce Springsteen ganó otro por su canción “Streets of Philadelphia”. La otra canción nominada era “Philadelphia” de Neil Young. La película también fue nominada al mejor Guion Original y mejor Maquillaje, perdiendo contra “El Piano” y “Señora Doubtfire” respectivamente.
 
LO MEJOR
No cabe duda de que esta película marcó un antes y un después en la concienciación global sobre el problema del VIH, y la discriminación que la enfermedad del SIDA provocaba. Tom Hanks realiza un trabajo espectacular, logrando la difícil tarea de establecer empatía en el público, en un tiempo en el que tema era cuanto menos escabroso. Denzel Washington está al mismo nivel, mostrando un análisis detallado del problema de los prejuicios, y la forma de enfrentarse a estos para acabar con la homofobia. Es una película conmovedora de principio a fin.
 
LO PEOR
No tengo más remedio que declarar que lo peor de la película, bajo mi modesta opinión, fue la pésima labor interpretativa de Antonio Banderas. Casi me atrevería a decir que se trata de su peor trabajo como actor. Su interpretación me resultó sobreactuada, y en ocasiones ridícula.
 
MI CALIFICACIÓN
9/10

jueves, 2 de octubre de 2014

POISON

TITULO ORIGINAL
Poison
AÑO DE ESTRENO
1991
DIRECTOR
Todd Haynes
PRODUCTORES
Christine Vachon, James Schamus
GUION
Todd Haynes
Inspirado en las novelas de Jean Genet
REPARTO
Scott Renderer (John Broom), James Lyons (Jack Bolton), Edith Meeks (Felicia Beacon), Millie White (Millie Sklar), Buck Smith (Gregory Lazar), Rob LaBelle (Jay Wete), John Leguizamo (Chanchi), Anne Giotta (Evelyn McAlpert), Lydia Lafleur (Sylvia Manning), Ian Nemser (Sean White), Evan Dunsky (Doctor MacArthur), Marina Lutz (Hazel Lamprecht), Barry Cassidy (Oficial Rilt), Richard Anthony (Edward Comacho), Angela M. Schreiber (Florence Giddens), Justin Silverstein (Jake), Chris Singh (Chris), Edward Allen (Fred Beacon), Susan Norman (Nancy Olsen)
CINEMATOGRAFÍA
Maryse Alberti
BANDA SONORA
James Bennett
VESTUARIO
Jessica Haston
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Zeitgeist
DURACIÓN
85 minutos
 
JOHN BROOM: “Eres un estúpido. ¿Lo sabes? ¿Nadie te ha dicho eso nunca?”
JACK BOLTON: “¿Qué?”
JOHN BROOM: “Y tus hombrecitos pueden montarse en mi jodida polla.”
JACK BOLTON: “¿De qué coño estás hablando? Mira John, piérdete. ¿Vale? Si nos ven venir, si nos ven juntos, van a empezar a inventar mierda acerca de nosotros.”
JOHN BROOM: “¿Por qué?”
JACK BOLTON: “No lo sé, pero me lo puedo imaginar.”
JOHN BROOM: “¿Por qué?”
JACK BOLTON: “Piensan que eres… mira, he intentado decirles que todo va bien contigo. ¡Déjame en paz!”
 
SINOPSIS
HÉROE: Richie es un niño de siete años de edad que ha matado a su padre de un disparo, escapando de forma peligrosa tras el evento.
Entrevistas a varios conocidos de Richie muestran sus puntos de vista diferentes, mientras se va revelando el oscuro secreto de la relación entre padre e hijo.
HORROR: El Doctor Tom Graves ha obtenido fama mediante su estudio de la teoría de coagulación molecular. Ha logrado crear un suero que desata impulsos sexuales, pero comete la imprudencia de tomarlo, comenzando a desarrollar pústulas por todo su cuerpo, sumiéndose en la locura. Las noticias comienzan a referirse a él como el Asesino Leproso, mientras su presencia extiende el contagio y el pánico por toda la ciudad.
HOMO: Durante la década de 1940, un atractivo ladrón llamado John Broom es enviado a prisión. Allí comienza a obsesionarse con Jack Bolton, otro prisionero. Dicha obsesión es meramente sexual y amenaza por consumirlo, empeorando cuando es compartida con Jack.
 
CURIOSIDADES
Todd Haynes, quien escribió el guion y dirigió la película, se inspiró en las novelas del afamado Jean Genet a la hora de realizar este proyecto. La película sirve como un estudio perturbador de las desviaciones, el condicionamiento cultural y la enfermedad. Para realizar dicho análisis, la película está compuesta de tres segmentos de historias separadas pero relacionadas entre sí. Cada uno de esos segmentos está rodado mediante el uso de tres estilos cinematográficos únicos y distintivos. “Héroe” está narrada en la forma de una especie de documental. “Horror” es una parodia de las películas de ciencia ficción y terror de la década de 1950; y “Homo” es narrada por el protagonista de la historia, siendo el segmento que más se acerca al estilo de Jean Genet.
Cada una de las historias ilustra las vidas de gente que vive fuera de los parámetros que la considerada “sociedad normal”. Las tres historias no se narran en orden, sino de forma intercalada, finalizando sus tramas al final de la película.
Todd Haynes ha declarado que cuando concibió la película, la sociedad se encontraba en plena encrucijada de la epidemia del SIDA. Esto le hizo pensar en lo que Genet habría querido expresar acerca de la enfermedad, y los eventos que tenían lugar en América durante la misma. De esta forma, decidió realizar su propia interpretación mediante el uso de las ideas del escritor.
A medida que la narrativa de las historias se va desarrollando, sus temas comienzan a quedar encadenados, y la tensión se intensifica para crear un clímax de emociones inquietas e inestables. El punto que las tres historias tienen en común es el sexo, el cual no es otra cosa que el veneno al que el título de la película hace referencia. En las tres historias, el sexo es un sinónimo virtual de la perversión, el abuso, la dominación y la enfermedad. Haynes se tomó innumerables libertades con el trabajo de Genet, pero tuvo preciso cuidado de respetar su espíritu.
La película contó con un presupuesto de solamente doscientos cincuenta mil dólares, logrando recaudar casi setecientos noventa mil. Se estrenó en el Festival de Cine Sundance en 1991, tras lo cual tuvo una distribución limitada en cines de todos los Estados Unidos.
 
LO MEJOR
De los tres segmentos intercalados de la película, mi favorito fue sin duda el de “Horror”. La historia no solo emula las películas de terror de la década de 1950, sino que además sirve de clara alegoría a la epidemia del VIH en la década de 1980. De esta forma, el director nos hace ver la crueldad del rechazo hacia la enfermedad, a través del personaje del científico, convertido en un leproso y rechazado por la sociedad. Pero al mismo tiempo, nos muestra la aceptación de su ayudante, quien logra superar sus miedos muy a pesar de las consecuencias.
“Homo” tiene aspectos visuales verdaderamente admirables, y logra abordar la obsesión sexual hacia otra persona, otorgando al espectador alguna que otra sorpresa para entender  el rechazo que el protagonista logra sufrir.
En términos generales alabaré el intercalar la narrativa de las tres historias.
 
LO PEOR
Sin embargo, “Homo” se vuelve demasiado lenta en su narrativa, abusando en demasía de lo visual, cuando un guion elaborado podría haber contribuido a la trama.
“Héroe” me pareció el peor segmento de todos. El estilo de documental con entrevistas a “personas conocidas” del protagonista provocó que perdiera todo interés en la narrativa y su desenlace.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 25 de septiembre de 2014

CARAVAGGIO

TITULO ORIGINAL
Caravaggio
AÑO DE ESTRENO
1986
DIRECTOR
Derek Jarman
PRODUCTOR
Sarah Radclyffe
GUION
Derek Jarman, Suso Cecchi d’Amico, Nicholas Ward Jackson
REPARTO
Nigel Terry (Caravaggio), Sean Bean (Ranuccio), Tilda Swinton (Lena), Michael Gough (Cardenal Del Monte), Dexter Fletcher (Joven Caravaggio), Noam Almaz (Caravaggio de niño), Dawn Archibald (Pipo), Jack Birkett (El Papa), Sadie Corre (Princesa Collona), Una Brandon-Jones (Mujer llorosa), Imogen Claire (Dama con joyas), Robbie Coltrane (Scipione Borghese), Garry Cooper (Davide), Lol Coxhill (Viejo cura), Nigel Davenport (Giustiniani), Vernon Dobtcheff (Amante del arte), Terry Downess (Guardaespaldas), Jonathan Hyde (Baglione), Spencer Leigh (Jerusaleme), Emile Nicolaou (Joven Jerusaleme), Gene October (Modelo), Cindy Oswin (Lady Elizabeth)
CINEMATOGRAFÍA
Gabriel Beristain
BANDA SONORA
Simon Fisher-Turner
VESTUARIO
Sandy Powell
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
British Film Institute
DURACIÓN
93 minutos
 
MADRE DE JERUSALEME: “Las estrellas son los diamantes de los pobres. Los ricos esconden sus diamantes en los sótanos, avergonzados de compararlos con las riquezas del señor que brillan en el cielo.”
 
CARAVAGGIO: “Construí mi mundo como el misterio divino. Encontré el Dios en el vino y lo lleve a mi corazón. Me pinté como Baco y asumí su destino, un desmembramiento orgiástico salvaje. Alzo esta frágil copa y brindo por vosotros, mi público. El carácter del hombre es su destino.”
 
SINOPSIS
El gran pintor Caravaggio está muriendo de envenenamiento por plomo mientras se encuentra en el exilio. Solo está acompañado del sordomudo Jerusaleme, quien ha sido su acompañante y protegido durante largo tiempo.
En su lecho de muerte, el célebre pintor comienza a recordar los momentos más relevantes de su vida. Esta comienza cuando solo era joven callejero, que ya se dedicaba a la pintura y a prostituirse, convertido en todo un rufián. Durante esa época, el joven enferma y es acogido por curas, llamando la atención del Cardenal Del Monte. El Cardenal decide cuidar del desarrollo artístico e intelectual de Caravaggio, pero todo parece indicar que mantiene una relación sexual con el joven.
Ya convertido en adulto, Caravaggio se hace amigo de Ranuccio, quien sirve como modelo para el artista. Acompañado por Ranuccio esta su amante Lena, quien también llama la atención de Caravaggio. El pintor no tarda en tener relaciones con ambos, y cuando las partes interesadas lo descubren, surgen los conflictos. El mayor de todos tendrá lugar cuando Lena quede embarazada, sin saber quién es el padre, y decida casarse con un adinerado burgués.
 
CURIOSIDADES
La película es una narración ficticia de la vida del pintor Michelangelo Meri Caravaggio, nacido en 1573, y fallecido en 1610. Fue uno de los pintores más grandes, y también de los más controvertidos, del Renacimiento Italiano. Sus cuadros eróticos de santos desnudos provocaron un gran escándalo en la época. Derek Jarman tuvo serias dificultades para llevar a cabo esta película, que se extendieron durante siete largos años. Su película se basa en el triángulo amoroso, y ficticio, entre Caravaggio, su amigo y modelo Ranuccio, y la compañera de este, Lena.
El director hizo uso de varios de los cuadros más famosos del pintor, trasladándolos a la película a través de fotografías cuidadosamente elaboradas de cuadros vivientes. Dichas obras se mezclan con la trama, sirviendo de punto de partida para sus personajes y episodios narrativos. De esta forma, la película funde hechos, ficción, leyendas e imaginación. Esta fue la primera ocasión en la que Derek Jarman trabajó con Tilda Swinson, quien interpretaba al personaje de Lena.
Swinson terminaría por convertirse en su musa, y colaboraría con el director en repetidas ocasiones.
Derek Jarman hizo un uso consciente de repetidos anacronismos durante toda la película. Se puede ver a Caravaggio en un bar iluminado con luces eléctricas, a un personaje utilizando una calculadora, y el protagonista hace uso de una máquina de escribir, y fuma en repetidas ocasiones. Otros ejemplos son los apreciables sonidos de bocinas de coches, que se escuchan en el estudio del pintor, u otra escena en la que Ranuccio repara y limpia una motocicleta. La intención era hacer uso de una teoría revisionista, que el propio Caravaggio aplicaba a sus cuadros.
La película causó furor, generando acusaciones de todo tipo, desde que su obra había sido irreverente, hasta que su interpretación de la nunca probada homosexualidad del pintor, así como sus impulsos violentos. La película fue presentada al trigésimo sexto Festival de Cine Internacional de Berlín, donde ganó el Oso de Plato al mayor logro individual.
 
LO MEJOR
En este caso hay varias cosas que elogiar. Comenzaré con el elenco de actores que realiza un trabajo excepcional. El triángulo que se forja entre los tres personajes principales es muy interesante, y a la vez creíble. Los tres actores derrochan pasión, aunque siento, como siempre, una especial predilección por Tilda Swinson, a quien siempre he considerado multifacética.
El guion es poesía en estado puro, y casi lamento que en ocasiones sea escaso. Hay determinados monólogos narrativos que se me quedaron grabados a fuego. El aspecto artístico nunca ha sido el punto débil de Jarman, aunque siempre tiende a explotarlo en exceso. Destacaría el uso de cuadros vivientes para marcar distintos episodios narrativos, los cuales me impresionaron considerablemente.
 
LO PEOR
Siempre he tenido el mismo problema con el cine de Derek Jarman. Desde mi punto de vista, sus narraciones se centran en exceso en lo artístico, lo que provoca que la narrativa se vuelva en extremo lenta. Esto me parece doblemente sorprendente considerando que la película solo dura hora y media. Por otro lado, nunca he entendido el uso de anacronismos, por muy artística que sea la razón detrás del uso de los mismos. Nunca le he encontrado el sentido a este recurso, que además chirría con creces en esta ocasión al chocar con el realismo que alcanza la ambientación del siglo diecisiete.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10