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jueves, 16 de octubre de 2014

LOS JUNCOS SALVAJES

TITULO ORIGINAL
Les Roseaux Sauvages
AÑO DE ESTRENO
1994
DIRECTOR
André Téchiné
PRODUCTORES
Georges Benayoun, Alain Sarde
GUION
André Téchiné, Olivier Massart, Gilles Taurand
REPARTO
Élodie Bouchez (Maïté Alvarez), Gaël Morel (François Forestier), Stéphane Rideau (Serge Bartolo), Frédéric Gorny (Henri Mariani), Michèle Moretti (Señora Alvarez), Jacques Nolot (Señor Morelli), Eric Kreikenmayer (Pierre Bartolo), Nathalie Vignes (Irène), Michel Ruhl (Señor Cassagne), Fatia Maite (Aicha Morelli), Claudine Taulère (Enfermera), Elodie Soulinhac (Colette), Dominique Bovard (Guardia), Monsieur Simonet (Guardia), Paul Simonet (Señor Bartolo), Charles Pictot (Director del colegio), Christophe Maitre (Instructor de Gimnasio), Bordes Fernand Raouly (Señora Bartolo), Michel Voisin (Juez de Paz)
CINEMATOGRAFÍA
Jeanne Lapoirie
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Elizabeth Tavernier
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN
110 minutos
  
FRANÇOIS FORESTIER: “Necesito que usted me aconseje, es sobre mi destino. Venga tengo que hablarle.”
SEÑOR CASSAGNE: “Sí, sí claro. Perdóneme señora. ¿De qué se trata?”
FRANÇOIS FORESTIER: “Verá, yo soy como usted, un invertido. Por desgracia no he tenido suerte y aún no he encontrado mi alma gemela. Conozco a alguien, pero no me quiere. Normalmente yo debería renunciar, sería lo más sensato, pero yo no soy sensato. No sé qué puedo hacer. Sé que con él no tengo posibilidades, pero insisto, no me doy por vencido. Hemos hecho el amor una vez, solo una. Y desde que pasó me comportó como si fuera un ladrón, un verdadero ladrón. Robo momentos, pequeños momentos. Un día le apreté contra mí en la moto; otro día conseguí que durmiéramos juntos. Sé que usted tiene experiencia, es el único que puede ayudarme. ¿Cuándo usted tenía mi edad no le pasaba algo así? Cuando descubrió que le gustaba otro chico, ¿qué hizo usted? ¿Qué es lo que pasó?”
SEÑOR CASSAGNE: “Verá jovencito, todo eso está muy lejos. Le aseguró que no quiero engañarle, pero creo que lo tengo olvidado.”
  
SINOPSIS
François Forestier es un joven tímido que está a punto de graduarse del instituto en el suroeste de Francia, en el año 1962. Durante dicho año, “La Guerra de Independencia de Algeria” está a punto de finalizar. Su mejor amiga es Maïté, hija de su profesora de literatura, y reconocida comunista. François conoce a un compañero de instituto llamado Serge Bartolo, hacia quien comienza tener fuertes sentimientos, comenzando a percatarse de su homosexualidad. Finalmente, ambos amigos mantienen relaciones sexuales durante una noche. Sin embargo, aunque François se ha enamorado, Serge lo considera solo una relación experimental, sintiéndose atraído hacia Maïté.
Las cosas se complican cuando el hermano mayor de Serge fallece luchando en el frente de la guerra. Al colegio llega un exiliado francés nacido en Algeria, Henri Mariani. El nuevo joven provoca que François se enfrente a su homosexualidad de forma cínica, y también desata el odio de Serge por lo sucedido con su hermano. Al mismo tiempo, Henri comienza a sentirse atraído hacia Maïté.
  
CURIOSIDADES
Durante el principio de la década de 1990, la cadena francesa “Arte” decidió crear una serie de películas que abordaran distintos problemas característicos de la adolescencia. Dicha serie llevaba de películas llevaba el título de “Tous les Garçons et les Filles de Leur Âge”, lo que se traduciría como “Todos los chicos y chicas de su edad”. De entre esas películas surgió una de cincuenta y cinco minutos de duración titulada “Le Chêne et le Roseau” (“El Roble y el Junco”). Le fue encargada a André Téchiné, quien al completar el guion decidió convertirla en una producción cinematográfica del doble de duración.
La idea de la película le surgió en parte como inspiración autobiográfica, tratando de analizar las dificultades de los adolescentes al comenzar a convertirse en adultos. Dichas dificultades variaban entre problemas políticos, estudios, asuntos políticos y el despertar de la sexualidad en sus cuerpos.
El asunto político más imperante fue el de la Guerra de Independencia de Algeria, y su finalización en el año 1992. La trama se centra en cuatro jóvenes. Dicha guerra todavía es un tema en cierto modo tabú, por lo que es difícil encontrar películas que debatieran o analizaran el conflicto. De hecho, la película hace referencia a la existencia de la “Organización del Ejército Secreto”, la cual era una organización terrorista nacionalista francesa durante la Guerra de Algeria entre los años 1954 y 1962. La guerra finalizó con Algeria haciéndose con la independencia en el año 1962. El conflicto sirve como catalizador para la gran mayoría de los eventos de la película.
La mayor parte de la película fue rodada en el campo, ya que André Téchiné deseaba poner un énfasis especial en utilizar la naturaleza como entorno para la trama. De hecho, el título tiene un significado especial. Lo salvaje hace referencia a ese desarrollo de los personajes en plena naturaleza, y la forma en la que estos se enfrentan a la inminente madurez. Por otro lado, los juncos no son más que los propios adolescentes.
La comparación radica que en que el junco no obtiene su fuerza de su fortaleza, sino de su extrema flexibilidad.
  
LO MEJOR
Lo más destacable de la película es la forma en la que muestra a cuatro adolescentes con ideas y personalidades radicalmente distintas, cuyas vidas terminan por entrelazarse. Personalmente, y aunque parezca mentira con objetividad, encontré que el personaje de François es el más fascinante. Los problemas que acompañan a sus amigos son consecuencia de algo temporal, la guerra, mientras que François se enfrenta a un hecho que cambiará su vida para siempre. El joven actor realiza una labor más que convincente, haciendo que su travesía personal resulte de lo más creíble. Sus dudas reflejan su pánico a la soledad, reforzada por la dificultad de encontrar pareja en 1962.
  
LO PEOR
André Téchiné resulta demasiado ambicioso al intercalar distintas tramas y temáticas, sin lograr mostrar un desenlace convincente. Me da la sensación que la mayoría de sus personajes están en la misma situación mostrada al principio de la película. Hay poca evolución, concentrándose más en situaciones de angustia adolescente sin resolver. El personaje de Maïté me pareció el menos interesante, siendo incluso irritante.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 9 de octubre de 2014

PHILADELPHIA

TITULO ORIGINAL
Philadelphia
AÑO DE ESTRENO
1993
DIRECTOR
Jonathan Demme
PRODUCTORES
Jonathan Demme, Edward Saxon
GUION
Ron Nyswaner
REPARTO
Tom Hanks (Andrew Beckett), Denzel Washington (Joe Miller), Jason Robards (Charles Wheeler), Antonio Banderas (Miguel Álvarez), Joanne Woodward (Sarah Beckett), Robert W. Castle (Bud Beckett), Mary Steenburgen (Belinda Conine), Ann Dowd (Jill Beckett), Lisa Summerour (Lisa Miller), Charles Napier (Juez Lucas Garnett), Roberta Maxwell (Juez Tate), Buzz Kilman (Crutches), Karen Finley (Doctora Gillman), Robert Ridgely (Walter Kenton), Bradley Whitford (Jamey Collins), Ron Vawter (Bob Seidman), Anna Deavere Smith (Anthea Burton)
CINEMATOGRAFÍA
Tak Fujimoto
BANDA SONORA
Howard Shore
VESTUARIO
Colleen Atwood
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
TriStar Pictures
DURACIÓN
125 minutos
 
BIBLIOTECARIO: “Señor, aquí tiene el suplemento. Tenía razón, respecto al VIH hay una sección relativa a la discriminación.”
ANDREW BECKETT: “Gracias, muchísimas gracias.”
BIBLIOTECARIO: “Si quiere tenemos una sala privada para investigación.”
ANDREW BECKETT: “Estoy bien aquí, gracias.”
BIBLIOTECARIO: “¿No estaría más cómodo en la sala de investigación?”
ANDREW BECKETT: “No. ¿No sería usted el que estaría más cómodo?”
JOE MILLER: “Oh, Beckett. ¿Cómo está?”
ANDREW BECKETT: “Letrado.”
BIBLIOTECARIO: “Como quiera señor.”
 
SINOPSIS
Andrew Beckett es un exitoso abogado al que se le ha ofrecido convertirse en nuevo socio de su prestigiosa firma.
Sin embargo, cuando sus jefes descubren que está enfermo de SIDA, proceden a despedirle haciendo que parezca que ha realizado una grave incompetencia con un caso importante. Andrew solicita la ayuda de un abogado llamado Joe Miller, quien siendo homófobo rechaza inicialmente el trabajo. Sin embargo, Miller cambia de opinión y decide llevar el caso.
Enfrentado al poderoso equipo de la antigua firma de Andrew, Joe Miller se sumerge en la vida de Andrew enfrentándose a sus propios prejuicios. Por su parte, Andrew cuenta con el apoyo de su familia y pareja Miguel. Cuando su enfermedad comienza a empeorar gravemente, el abogado sacará fuerzas de flaqueza para conseguir que por lo menos se haga justicia.
 
CURIOSIDADES
Tras los créditos finales se revela que los eventos de la película fueron parcialmente inspirados en un caso real.
Se trata de una demanda por discriminación contra el SIDA por parte de Geoffrey Bowers en el año 1987. También se inspiraron en el valor y amor de la familia Angius y muchos otros que habían experimentado dicha discriminación. Sin embargo, la familia de Bowers presentó una demanda contra la producción alegando que las similitudes con el caso de su hijo eran excesivas, aunque se logró llegar a un acuerdo.
A la hora de escoger un actor que interpretara al personaje se consideraron a actores como Daniel Day-Lewis, Michael Keaton y Andy Garcia. Finalmente, se optó por contar con Tom Hanks debido al afecto que despertaba en el público, ya que esto haría que una película con un tema tan controvertido llegara a todo el mundo. Originalmente, y para contrarrestar el papel de Tom Hanks, el director Jonathan Demme consideró elegir a un actor de comedia para interpretar el papel de Joe Miller. Algunas opciones incluyeron a Bill Murray y Robin Williams, pero cuando Denzel Washington mostró interés en el papel se lo concedió.
Esto se debía a que Demme llevaba algunos años deseando trabajar con el actor. Tom Hanks tuvo que perder casi catorce kilos de peso para sus escenas en el juzgado. Sin embargo, se le solicitó a Denzel Washington que ganara algunos kilos para su papel. Para angustia de Hanks, que tuvo que pasar hambre para el papel, Washington a menudo consumía barras de chocolate.
En la escena de la fiesta de disfraces, los personajes de Andrew y Miguel utilizan uniformes militares. Esto fue realizado a propósito, ya que en el momento del rodaje se prohibía a gays y lesbianas que sirvieran en las fuerzas armadas de los Estados Unidos. Clinton había prometido acabar con esa prohibición, pero se limitó a permitir que los homosexuales y lesbianas sirvieran, siempre que no hicieran pública su orientación sexual. Esta ley continuó en vigor hasta septiembre de 2011. Las escenas en el juzgado no fueron rodadas en un decorado, sino en un juzgado verdadero que les fue cedido por la ciudad. El director deseaba que el público que no estuviera familiarizado con el SIDA viera la película.
Por eso decidió contar con Bruce Springsteen para ayudar con este propósito. Tanto la película como la canción “Streets of Philadelphia” fueron una gran influencia para despertar concienciación sobre la enfermad, y eliminar parte de su estigma. La escena final muestra como la familia de Andrew observa videos de la niñez del personaje. Dichos videos eran los de la infancia del propio Tom Hanks.
La película contó con cinco nominaciones a los Oscars, dos de ellas en la misma categoría (Mejor canción). Tom Hanks se hizo con el Oscar al mejor actor, y su buen amigo Bruce Springsteen ganó otro por su canción “Streets of Philadelphia”. La otra canción nominada era “Philadelphia” de Neil Young. La película también fue nominada al mejor Guion Original y mejor Maquillaje, perdiendo contra “El Piano” y “Señora Doubtfire” respectivamente.
 
LO MEJOR
No cabe duda de que esta película marcó un antes y un después en la concienciación global sobre el problema del VIH, y la discriminación que la enfermedad del SIDA provocaba. Tom Hanks realiza un trabajo espectacular, logrando la difícil tarea de establecer empatía en el público, en un tiempo en el que tema era cuanto menos escabroso. Denzel Washington está al mismo nivel, mostrando un análisis detallado del problema de los prejuicios, y la forma de enfrentarse a estos para acabar con la homofobia. Es una película conmovedora de principio a fin.
 
LO PEOR
No tengo más remedio que declarar que lo peor de la película, bajo mi modesta opinión, fue la pésima labor interpretativa de Antonio Banderas. Casi me atrevería a decir que se trata de su peor trabajo como actor. Su interpretación me resultó sobreactuada, y en ocasiones ridícula.
 
MI CALIFICACIÓN
9/10

jueves, 2 de octubre de 2014

POISON

TITULO ORIGINAL
Poison
AÑO DE ESTRENO
1991
DIRECTOR
Todd Haynes
PRODUCTORES
Christine Vachon, James Schamus
GUION
Todd Haynes
Inspirado en las novelas de Jean Genet
REPARTO
Scott Renderer (John Broom), James Lyons (Jack Bolton), Edith Meeks (Felicia Beacon), Millie White (Millie Sklar), Buck Smith (Gregory Lazar), Rob LaBelle (Jay Wete), John Leguizamo (Chanchi), Anne Giotta (Evelyn McAlpert), Lydia Lafleur (Sylvia Manning), Ian Nemser (Sean White), Evan Dunsky (Doctor MacArthur), Marina Lutz (Hazel Lamprecht), Barry Cassidy (Oficial Rilt), Richard Anthony (Edward Comacho), Angela M. Schreiber (Florence Giddens), Justin Silverstein (Jake), Chris Singh (Chris), Edward Allen (Fred Beacon), Susan Norman (Nancy Olsen)
CINEMATOGRAFÍA
Maryse Alberti
BANDA SONORA
James Bennett
VESTUARIO
Jessica Haston
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Zeitgeist
DURACIÓN
85 minutos
 
JOHN BROOM: “Eres un estúpido. ¿Lo sabes? ¿Nadie te ha dicho eso nunca?”
JACK BOLTON: “¿Qué?”
JOHN BROOM: “Y tus hombrecitos pueden montarse en mi jodida polla.”
JACK BOLTON: “¿De qué coño estás hablando? Mira John, piérdete. ¿Vale? Si nos ven venir, si nos ven juntos, van a empezar a inventar mierda acerca de nosotros.”
JOHN BROOM: “¿Por qué?”
JACK BOLTON: “No lo sé, pero me lo puedo imaginar.”
JOHN BROOM: “¿Por qué?”
JACK BOLTON: “Piensan que eres… mira, he intentado decirles que todo va bien contigo. ¡Déjame en paz!”
 
SINOPSIS
HÉROE: Richie es un niño de siete años de edad que ha matado a su padre de un disparo, escapando de forma peligrosa tras el evento.
Entrevistas a varios conocidos de Richie muestran sus puntos de vista diferentes, mientras se va revelando el oscuro secreto de la relación entre padre e hijo.
HORROR: El Doctor Tom Graves ha obtenido fama mediante su estudio de la teoría de coagulación molecular. Ha logrado crear un suero que desata impulsos sexuales, pero comete la imprudencia de tomarlo, comenzando a desarrollar pústulas por todo su cuerpo, sumiéndose en la locura. Las noticias comienzan a referirse a él como el Asesino Leproso, mientras su presencia extiende el contagio y el pánico por toda la ciudad.
HOMO: Durante la década de 1940, un atractivo ladrón llamado John Broom es enviado a prisión. Allí comienza a obsesionarse con Jack Bolton, otro prisionero. Dicha obsesión es meramente sexual y amenaza por consumirlo, empeorando cuando es compartida con Jack.
 
CURIOSIDADES
Todd Haynes, quien escribió el guion y dirigió la película, se inspiró en las novelas del afamado Jean Genet a la hora de realizar este proyecto. La película sirve como un estudio perturbador de las desviaciones, el condicionamiento cultural y la enfermedad. Para realizar dicho análisis, la película está compuesta de tres segmentos de historias separadas pero relacionadas entre sí. Cada uno de esos segmentos está rodado mediante el uso de tres estilos cinematográficos únicos y distintivos. “Héroe” está narrada en la forma de una especie de documental. “Horror” es una parodia de las películas de ciencia ficción y terror de la década de 1950; y “Homo” es narrada por el protagonista de la historia, siendo el segmento que más se acerca al estilo de Jean Genet.
Cada una de las historias ilustra las vidas de gente que vive fuera de los parámetros que la considerada “sociedad normal”. Las tres historias no se narran en orden, sino de forma intercalada, finalizando sus tramas al final de la película.
Todd Haynes ha declarado que cuando concibió la película, la sociedad se encontraba en plena encrucijada de la epidemia del SIDA. Esto le hizo pensar en lo que Genet habría querido expresar acerca de la enfermedad, y los eventos que tenían lugar en América durante la misma. De esta forma, decidió realizar su propia interpretación mediante el uso de las ideas del escritor.
A medida que la narrativa de las historias se va desarrollando, sus temas comienzan a quedar encadenados, y la tensión se intensifica para crear un clímax de emociones inquietas e inestables. El punto que las tres historias tienen en común es el sexo, el cual no es otra cosa que el veneno al que el título de la película hace referencia. En las tres historias, el sexo es un sinónimo virtual de la perversión, el abuso, la dominación y la enfermedad. Haynes se tomó innumerables libertades con el trabajo de Genet, pero tuvo preciso cuidado de respetar su espíritu.
La película contó con un presupuesto de solamente doscientos cincuenta mil dólares, logrando recaudar casi setecientos noventa mil. Se estrenó en el Festival de Cine Sundance en 1991, tras lo cual tuvo una distribución limitada en cines de todos los Estados Unidos.
 
LO MEJOR
De los tres segmentos intercalados de la película, mi favorito fue sin duda el de “Horror”. La historia no solo emula las películas de terror de la década de 1950, sino que además sirve de clara alegoría a la epidemia del VIH en la década de 1980. De esta forma, el director nos hace ver la crueldad del rechazo hacia la enfermedad, a través del personaje del científico, convertido en un leproso y rechazado por la sociedad. Pero al mismo tiempo, nos muestra la aceptación de su ayudante, quien logra superar sus miedos muy a pesar de las consecuencias.
“Homo” tiene aspectos visuales verdaderamente admirables, y logra abordar la obsesión sexual hacia otra persona, otorgando al espectador alguna que otra sorpresa para entender  el rechazo que el protagonista logra sufrir.
En términos generales alabaré el intercalar la narrativa de las tres historias.
 
LO PEOR
Sin embargo, “Homo” se vuelve demasiado lenta en su narrativa, abusando en demasía de lo visual, cuando un guion elaborado podría haber contribuido a la trama.
“Héroe” me pareció el peor segmento de todos. El estilo de documental con entrevistas a “personas conocidas” del protagonista provocó que perdiera todo interés en la narrativa y su desenlace.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 25 de septiembre de 2014

CARAVAGGIO

TITULO ORIGINAL
Caravaggio
AÑO DE ESTRENO
1986
DIRECTOR
Derek Jarman
PRODUCTOR
Sarah Radclyffe
GUION
Derek Jarman, Suso Cecchi d’Amico, Nicholas Ward Jackson
REPARTO
Nigel Terry (Caravaggio), Sean Bean (Ranuccio), Tilda Swinton (Lena), Michael Gough (Cardenal Del Monte), Dexter Fletcher (Joven Caravaggio), Noam Almaz (Caravaggio de niño), Dawn Archibald (Pipo), Jack Birkett (El Papa), Sadie Corre (Princesa Collona), Una Brandon-Jones (Mujer llorosa), Imogen Claire (Dama con joyas), Robbie Coltrane (Scipione Borghese), Garry Cooper (Davide), Lol Coxhill (Viejo cura), Nigel Davenport (Giustiniani), Vernon Dobtcheff (Amante del arte), Terry Downess (Guardaespaldas), Jonathan Hyde (Baglione), Spencer Leigh (Jerusaleme), Emile Nicolaou (Joven Jerusaleme), Gene October (Modelo), Cindy Oswin (Lady Elizabeth)
CINEMATOGRAFÍA
Gabriel Beristain
BANDA SONORA
Simon Fisher-Turner
VESTUARIO
Sandy Powell
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
British Film Institute
DURACIÓN
93 minutos
 
MADRE DE JERUSALEME: “Las estrellas son los diamantes de los pobres. Los ricos esconden sus diamantes en los sótanos, avergonzados de compararlos con las riquezas del señor que brillan en el cielo.”
 
CARAVAGGIO: “Construí mi mundo como el misterio divino. Encontré el Dios en el vino y lo lleve a mi corazón. Me pinté como Baco y asumí su destino, un desmembramiento orgiástico salvaje. Alzo esta frágil copa y brindo por vosotros, mi público. El carácter del hombre es su destino.”
 
SINOPSIS
El gran pintor Caravaggio está muriendo de envenenamiento por plomo mientras se encuentra en el exilio. Solo está acompañado del sordomudo Jerusaleme, quien ha sido su acompañante y protegido durante largo tiempo.
En su lecho de muerte, el célebre pintor comienza a recordar los momentos más relevantes de su vida. Esta comienza cuando solo era joven callejero, que ya se dedicaba a la pintura y a prostituirse, convertido en todo un rufián. Durante esa época, el joven enferma y es acogido por curas, llamando la atención del Cardenal Del Monte. El Cardenal decide cuidar del desarrollo artístico e intelectual de Caravaggio, pero todo parece indicar que mantiene una relación sexual con el joven.
Ya convertido en adulto, Caravaggio se hace amigo de Ranuccio, quien sirve como modelo para el artista. Acompañado por Ranuccio esta su amante Lena, quien también llama la atención de Caravaggio. El pintor no tarda en tener relaciones con ambos, y cuando las partes interesadas lo descubren, surgen los conflictos. El mayor de todos tendrá lugar cuando Lena quede embarazada, sin saber quién es el padre, y decida casarse con un adinerado burgués.
 
CURIOSIDADES
La película es una narración ficticia de la vida del pintor Michelangelo Meri Caravaggio, nacido en 1573, y fallecido en 1610. Fue uno de los pintores más grandes, y también de los más controvertidos, del Renacimiento Italiano. Sus cuadros eróticos de santos desnudos provocaron un gran escándalo en la época. Derek Jarman tuvo serias dificultades para llevar a cabo esta película, que se extendieron durante siete largos años. Su película se basa en el triángulo amoroso, y ficticio, entre Caravaggio, su amigo y modelo Ranuccio, y la compañera de este, Lena.
El director hizo uso de varios de los cuadros más famosos del pintor, trasladándolos a la película a través de fotografías cuidadosamente elaboradas de cuadros vivientes. Dichas obras se mezclan con la trama, sirviendo de punto de partida para sus personajes y episodios narrativos. De esta forma, la película funde hechos, ficción, leyendas e imaginación. Esta fue la primera ocasión en la que Derek Jarman trabajó con Tilda Swinson, quien interpretaba al personaje de Lena.
Swinson terminaría por convertirse en su musa, y colaboraría con el director en repetidas ocasiones.
Derek Jarman hizo un uso consciente de repetidos anacronismos durante toda la película. Se puede ver a Caravaggio en un bar iluminado con luces eléctricas, a un personaje utilizando una calculadora, y el protagonista hace uso de una máquina de escribir, y fuma en repetidas ocasiones. Otros ejemplos son los apreciables sonidos de bocinas de coches, que se escuchan en el estudio del pintor, u otra escena en la que Ranuccio repara y limpia una motocicleta. La intención era hacer uso de una teoría revisionista, que el propio Caravaggio aplicaba a sus cuadros.
La película causó furor, generando acusaciones de todo tipo, desde que su obra había sido irreverente, hasta que su interpretación de la nunca probada homosexualidad del pintor, así como sus impulsos violentos. La película fue presentada al trigésimo sexto Festival de Cine Internacional de Berlín, donde ganó el Oso de Plato al mayor logro individual.
 
LO MEJOR
En este caso hay varias cosas que elogiar. Comenzaré con el elenco de actores que realiza un trabajo excepcional. El triángulo que se forja entre los tres personajes principales es muy interesante, y a la vez creíble. Los tres actores derrochan pasión, aunque siento, como siempre, una especial predilección por Tilda Swinson, a quien siempre he considerado multifacética.
El guion es poesía en estado puro, y casi lamento que en ocasiones sea escaso. Hay determinados monólogos narrativos que se me quedaron grabados a fuego. El aspecto artístico nunca ha sido el punto débil de Jarman, aunque siempre tiende a explotarlo en exceso. Destacaría el uso de cuadros vivientes para marcar distintos episodios narrativos, los cuales me impresionaron considerablemente.
 
LO PEOR
Siempre he tenido el mismo problema con el cine de Derek Jarman. Desde mi punto de vista, sus narraciones se centran en exceso en lo artístico, lo que provoca que la narrativa se vuelva en extremo lenta. Esto me parece doblemente sorprendente considerando que la película solo dura hora y media. Por otro lado, nunca he entendido el uso de anacronismos, por muy artística que sea la razón detrás del uso de los mismos. Nunca le he encontrado el sentido a este recurso, que además chirría con creces en esta ocasión al chocar con el realismo que alcanza la ambientación del siglo diecisiete.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 18 de septiembre de 2014

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

TITULO ORIGINAL
Kiss of the Spider Woman
AÑO DE ESTRENO
1985
DIRECTOR
Héctor Babenco
PRODUCTORES
Francisco Ramalho Jr, David Weissman
GUION
Leonard Schrader
Basado en la novela de Manuel Puig
REPARTO
William Hurt (Luis Molina), Raúl Julia (Valentin Arregui), Sonia Braga (Leni Lamaison / Marta / Spider Woman), José Lewgoy (Alcaide), Milton Gonçalves (Pedro), Míriam Pires (Madre), Nuno Leal Maia (Gabriel), Fernando Torres (Americo), Patricio Bisso (Greta), Herson Capri (Werner), Denise Dumont (Michele), Nildo Parente (Lider de la Resistencia), Antônio Petrin (Clubfoot), Wilson Grey (Lacayo), Miguel Falabella (Teniente), Joe Kantor (Juez), Luis Roberto Galicia (Enfermera)
CINEMATOGRAFÍA
Rodolfo Sánchez
BANDA SONORA
Nando Cordeiro, John Neschling
VESTUARIO
Patricio Bisso
PAÍS DE ORIGEN
Brasil, Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Embrafilme, FilmDallas Pictures
DURACIÓN
121 minutos
 
VALENTIN ARREGUI: “¡Imbécil! ¡No sabes un carajo! ¡No distinguirías lo que es la realidad ni aunque te la metiesen por el culo!”
LUIS MOLINA: “¿Por qué iba a pensar en la realidad en una cloaca como esta?”
VALENTIN ARREGUI: “¡Eres peor de lo que pensaba! ¡Creo que te vales de esas películas para meneártela!”
LUIS MOLINA: “Si no me dejas, no pienso volver a hablarte nunca más.”
VALENTIN ARREGUI: “¡Deja de llorar! ¿Pareces una mujer vieja!”
LUIS MOLINA: “Eso es lo que soy. Eso es lo que soy.”
VALENTIN ARREGUI: “¿Y qué tienes aquí entre las piernas, eh? ¡Dime linda señorita!”
LUIS MOLINA: “Es un accidente, si yo tuviera valor ya me la habría cortado.”
VALENTIN ARREGUI: “¡Y seguirías siendo un hombre! ¡Un hombre! ¡Un hombre encarcelado! ¡Igual que los maricones que los Nazis quemaron en los hornos!”
LUIS MOLINA: “No me mires así, te lo suplico. Así no.”
 
SINOPSIS
Valentin Arregui y Luis Molina comparten celda en Brasil, durante la época de la dictadura en 1975. Arregui ha sido encarcelado por pertenecer a un grupo de izquierdas revolucionario, es un preso político. Molina es un homosexual condenado a ocho años de cárcel por haber seducido a un menor de edad. Para entretener a Arregui, Molina comienza a narrarle la trama de una película de propaganda Nazi, y ambos comienzan a conocerse mejor, comenzando a iniciar una curiosa amistad. Sin embargo, Arregui se siente enfermo en ocasiones, siempre después de comer.
El director de la prisión le ha ofrecido un trato a Molina. Si este comienza a actuar como espía para la policía secretad de Brasil, y consigue los nombres del resto del grupo revolucionario, conseguirá la libertad. Para ayudar Molina en esa tarea, han comenzado a envenenar a Arregui mediante las raciones de comida. Esto ayuda a que los cuidados de Molina hacia su compañero de celda provoquen que Arregui comience a confiar en él. Pero todo el cuidadoso plan comienza a complicarse cuando Molina se enamora de Arregui.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en la novela del mismo título, publicada por Manuel Puig en el año 1976. El autor, de origen argentino, fue el primero en adaptar su propia novela en la forma de una obra de teatro, dos años antes del estreno de la película. Ocho años después del estreno de la película, también se estrenaría un musical basado en la misma historia y estrenado en el año 1993.
Los actores se vieron en dificultades para encontrar la química necesaria para realizar sus escenas. Con la intención de entender mejor que requerían el uno del otro, William Hurt sugirió que realizaran un experimento. En este intercambiaron sus papeles, de forma que Hurt actuó como Valentin y Raúl Julia como el personaje de Molina. El experimento funcionó tan bien que William Hurt llegó a sugerirle al director, Hector Babenco, que también intercambiaran sus papeles para la película. Obviamente, esto no tuvo lugar, aunque el experimento sirvió para que ambos actores entendieran mejor a sus personajes.
Durante un día de descanso en la producción, William Hurt y una amiga fueron secuestrados a punta de pistola en San Pablo, Brasil. Se les ordenó que se pusieran mirando a la pared, lo que les hizo pensar que iban a ser ejecutados. Hurt se negó y comenzó a gritar a los criminales, por lo que estos optaron por escapar. Hurt decidió no contar lo ocurrido durante la producción de la película, ya que temía poner en riesgo el resto del proyecto.
La trama de la película incluye una película dentro de la película, siendo el personaje de Molina quien narra al de Valentin Arregui. La trama es la de una película ficticia titulada “Her Real Glory”, supuestamente producida en Alemania por los Nazis, durante la Segunda Guerra Mundial. Dicha película ficticia, dentro de la otra, tiene la función de reflejar la historia de Molina y Arregui. William Hurt logró hacerse con el Oscar al Mejor Actor por su interpretación. La película también fue nominada a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado. Sin embargo, en estas tres categorías perdió contra “Memorias de África”.
A pesar de esto, fue la primera película independiente en ser nominada al Oscar como Mejor Película.
 
LO MEJOR
Toda una obra de arte, que consigue entrelazar temáticas dispares desde la homosexualidad, pasando por la amistad, hasta la política. Evidentemente, lo más destacable es el trabajo de William Hurt y Raúl Julia en sus papeles protagonistas. Es complicado que la narrativa de una película se concentre mayoritariamente entre dos personajes en el mismo espacio reducido; pero el trabajo de ambos actores, bajo la dirección de Héctor Babenco, solventa sin problema alguno esa dificultad. La película está llena de diálogos excepcionales, y las narraciones cinematográficas del personaje de Hurt están repletas de dobles lecturas más que interesantes. Resulta formidable la escena de la historia de la Mujer Araña.
Pocas veces se examina la amistad entre un homosexual y un heterosexual de forma tan remarcable. El desarrollo de esa amistad es elaborado, detallado y, lo más importante, creíble.
La película me fascinó de principio a fin, y nos sumerge en la época de la clandestinidad homosexual, en un ambiente hostil, excepcionalmente. Esto ha convertido la película en todo un clásico indispensable el en cine de temática Gay.
 
LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10